Frida era hija de Guillermo Kahlo, quien era fotógrafo de éxito y a quien el gobierno mexicano le encargó el registro del patrimonio arquitectónico de la nación, logro extraordinario para un hombre que llegó a México 13 años antes sin grandes perspectivas. Sus padres, Jakob Heinrich Kahlo y Henriette Kaufman Kahlo, era judíos húngaros de Arad, ahora parte de Rumania, quienes emigraron a Alemania, estableciéndose en Baden-Baden, donde nació Wilhelm en 1972 (el padre de Frida). Jakob Kahlo era joyero y también comerciaba en artículos fotográficos.
Pudo mandar a
su hijo a
estudiar en la
Universidad de Nuremberg.
Alrededor de 1890
la prometedora carrera
del estudiante Wilhelm
Kahlo finalizó debido
a que sufrió
heridas en el
cerebro a causa
de una caída
y empezó a
́padecer ataques epilépticos. En 1891, con 19 años, viajó a méxico y se
cambió el nombre a Guillermo y no regresó
jamás a su
país de origen.
En 1894 se casó con una mujer mexicana que murió cuatro años después luego de dar a luz dos hijas (hermanas de Frida).
La madre de Frida por otro lado, Matilde calderón, era hija de un fotógrafo de ascendencia indígena procedente de Morelia. Matilde había quedado particularmente sensible a causa de una aventura anterior que terminó de manera trágica. Frida recordaba que cuando tenía 14 años su madre le mostró un libro, encuadernado en piel rusa, “donde guardaba las cartas de su primer novio. En la última página estaba escrito que el autor de esas cartas, un joven alemán, se había suicidado en su presencia. Ese hombre vivía siempre en su memoria”. (Herrera, 1985).
Al casarse ambos padres de Frida, las hijas anteriores del padre fueron enviadas a un convento.
En 1913 A la edad de seis años, Frida contrajo poliomelitis. Tuvo que pasar 9 meses en su cuarto: “Todo comenzó con un dolor terrible en la pierna derecha, desde el muslo hacia abajo...Me lavaban la piernita en un tinita con agua de nogal y pañitos calientes”.
“Debo haber tenido seis años cuando viví intensamente la amistad imaginaria con una niña de mi misma edad más o menos. En la vidriera del que entonces era mi cuarto y que daba a la calle de Allende. Sobre uno de los primeros cristales de la ventana echaba vaho y con el dedo dibujaba una “puerta”. Por esa puerta, salía en la imaginación con gran alegría y urgencia. Atravesaba todo el llano que se miraba, hasta llegar a un la lechería que se llamaba “PINZÖN”... Por la “o” de PINZÓN entraba y bajaba impetuosamente al interior de la tierra, donde “mi amiga imaginaria” me esperaba siempre. No recuerdo su imagen ni su color. pero sí sé que era alegre, se reía mucho, sin sonidos.
Era ágil y bailaba como si no tuviera peso alguno. Yo la seguía en todos sus movimientos y le contaba, mientras ella bailaba, mis problemas secretos. ¿Cuáles? No recuerdo. Pero ella sabía por mi voz todas mis cosas. Cuando ya regresaba a la ventana, entraba por la misma puerta dibujada en el cristal. ¿Cuándo? ¿Por cuánto tiempo había estado con ella? No sé. pudo ser un segundo o miles de años... Yo era feliz. Desdibujaba la “puerta” con la mano y “desaparecía”. Corría con mi secreto y mi alegría hasta el último rincón del patio de mi casa y siempre en el mismo lugar , debajo de un árbol de cedrón, gritaba y reía, asombrada de estar sola con mi gran felicidad y el recuerdo tan vivo de la niña. Han pasado 34 años desde que viví esa amistad mágica y cada vez que la recuerdo, se aviva y se acrecienta más y más dentro de mis mundos.”
La Frida con poliomelitis quedó inmobilizada y dolorida en cama, mientras un doble de ella misma, mantenía la omnipotencia motriz como si no tuviera peso alguno, no del modo en que por momentos el cuerpo de Frida parecía ser una carga tan pesada que llegó a escribir cuando los médicos analizaban la posibilidad de amputarle la pierna “pies, para qué los quiero si tengo alas para volar... Estoy preocupada, mucho, pero a la vez siento que será una liberación”.
Ahora bien, la polio fue tan sólo un anticipo de una serie de oportunidades en que su cuerpo la dejaba postrada en cama. Esta ocasión requirió mucha rehabilitación y dejó una secuela en una de sus piernas de por vida.
Frida “pata de palo”, como era nombrada en su infancia por sus compañeros, fue después la payasa la que con sus vestidos era seguida por los niños que preguntaban dónde estaba el circo, a ella parecía no importarle e inclusive exageraba estas características de su vestir llamando la atención por su excentricismo.
Sin embargo, la artista en ciernes comienza a demostrar su capacidad de superación desde muy joven y empieza a ayudar a su padre en su trabajo. La pequeña participa en tareas como el revelado o los retoques, y le asiste en la captura de imágenes: esta colaboración supone su primer (y fundamental) contacto con el arte.
En 1922 Frida Kahlo ingresa en la Escuela Nacional Preparatoria, donde entra en contacto con las ideas más progresistas de la época. Su inteligencia y su talento fueron su mejor defensa frente a las burlas ocasionadas por su cojera; su personalidad arrolladora se impuso y pasó a formar parte del grupo Los cachuchas, donde conoció a su primera pareja, Alejandro Gómez Arias.
La vida de Frida estuvo llena de desgracias y desafíos. Cuando tenía 18 años, un accidente de autobús le ocasionó muchas fracturas y achaques con los que sufrió por el resto de su vida.
Leer a sus biógrafos es un viaje por un mundo de histrionismo, excentricismo, relaciones con personajes célebres de una época para ellos cotidiana, la familiaridad con que se refería a pintores famosos, artistas y políticos, llama la atención al formar parte de una escenografía que ella sabía montar muy bien. Las ocurrencias que la llevaban a un no poder evitar sorprender, a veces, cínicamente, sarcásticamente y de modo tan directo que sus interlocutores quedaban azorados. Entonces, ese intento de impacto violento a veces se tornaba en un sentimiento de soledad infinito que llevaba a Frida a consumir morfina más allá de lo indicado por el médico y grandes cantidades de alcohol, además de su adicción al tabaco que la acompaña en varias de sus fotografías.
Tomaremos en esta ocasión una serie de fragmentos de su diario personal, mezcla de cuaderno de dibujo y escritura verbal, todo él plagado de cambios de colores, hasta la escritura verbal tenía algo de iconográfico al expresar por el tipo de letra momentos particularmente especiales de la extensión de su cuerpo en el grafismo. Retomamos este tema en Lenguaje y adicción: formas retóricas en Frida Kahlo.
Frida Kahlo era bisexual. Se le conocen romances con varias personas de ambos géneros, a la vez que estaba casada. Su matrimonio siempre tuvo infidelidades por ambas partes y aun así estuvieron casados más de 20 años, hasta el fallecimiento de la artista.
Iniciación en la homosexualidad y su relación con los fragmentos psíquicos de Frida Kahlo
Según Alejandro Gómez Arias (su novio de la preparatoria), durante el período de estar buscando trabajo, Frida conoció a una empleada de la biblioteca de la Secretaría de Educación pública, cuando fue a solicitar un trabajo allí. Esta la sedujo. Frida probablemente se estaba refiriendo a ese incidente cuando en 1938 la platicó a una amiga que su iniciación a las relaciones homosexuales, por parte de una de sus “profesoras” (el entrecomillado es de Herrera), fue traumática, en particular porque sus padres se enteraron del asunto. Resultó un escándalo. “Estoy dominada por la más terrible tristeza”, le escribió a Alejandro el primero de agosto, “pero tú sabes que no todo es como una quisiera que fuese y qué caso tiene hablar de ello...”Al final de la carta dibujó una cara cubierta de lágrimas.
Si la historia es cierta, nos encontramos con una Frida preocupada por la necesidad de dinero para la casa, por no conseguir fácilmente trabajo y el encuentro con esta empleada de la cual ella dependía.
La iniciación en la homosexualidad en 1925, a la edad de 18 años, pareciera haber sido un acto más de los que Frida se propugnaba para recibir “unos cuantos piquetitos” (según uno de sus cuadros), recibir un golpe aturdidor a los que se agrega que a pesar de referir que está sumamente triste y que no tiene caso hablar de ello, aplicando una desmentida. Posiblemente la edad correspondiente a la finalización de la adolescencia media implicara una reactualización de sus deseos homosexuales ya que la libido destinada a los procesos de crecimiento orgánico quedó liberada.
Respecto de los celos, transcribiremos un fragmento de una carta significativa por ser previa al accidente y previa a Rivera: “ Mi Alex: A las once recogí tu carta, pero no te contesté ahora mismo porque como tú comprenderás no se puede escribir ni hacer nada cuando está uno rodeado de mandada, pero ahorita que son las 10 de la noche, que me encuentro sola y mi alma es el momento más apropiado para contarte lo que pienso... Acerca de lo que me dices de Anita Reyna, naturalmente ni de chiste me enojaría, en primer lugar, porque no dices más que la verdad, que es y será siempre muy guapa y muy chula y, en segundo lugar , que yo quiero a todas las gentes que tú quieres o has querido por la sencillísima razón de que tú las quieres. Sin embargo, eso de las caricias no me gustó mucho, porque a pesar de que comprendo que es muy cierto que es chulísima, siento algo así... vaya, cómo te diré, como envidia ¿sabes?, pero eso sólo es natural. El día que quieras acariciarla, aunque sea como recuerdo, me acaricias a mí y te haces ilusiones de que es ella ¿eh? “ (Herrera,1985. pág. 45-6)
En 1925 el autobús en el que ambos viajan es arrollado por un tranvía: el accidente ocasiona a Frida múltiples fracturas en todo el cuerpo y agrava considerablemente los problemas ocasionados por la poliomelitis en su pierna derecha.
El accidente Frida lo recordó de la siguiente manera: “A poco de subir al camión empezó el choque. Antes habíamos tomado otro camión; pero a mí se me perdió una sombrillita y nos bajamos a buscarla, fue así que subimos a aquel camión que me destrozó. El accidente ocurrió en una esquina, frente al mercado de San Lucas, exactamente enfrente. El tranvía marchaba con lentitud, pero nuestro camionera era un joven muy nervioso. El tranvía, al dar la vuelta, arrastró al camión contra la pared. Yo era una muchachita inteligente, pero no práctica, pese a la libertad que había conquistado. Quizá por eso no medí la situación ni intuí la clase de heridas que tenía. En lo primero que pensé fue en un balero de bonitos colores que compre ese día y que llevaba conmigo. Intenté buscarlo, creyendo que todo aquellos no tendría mayores consecuencias.
Mentiras que uno se da cuenta del choque, mentiras que se llora. En mí no hubo lágrimas. El choque nos botó hacia delante y a mi el pasamanos me atravesó como la espada a un toro. Un hombre me vio con una tremenda hemorragia, me cargó y me puso en una mesa de billar hasta que me recogió la Cruz Roja”. Su columna vertebral se rompió en tres lugares de la región lumbar. También se fracturó la clavícula y la tercera y cuarta costillas. Su pierna derecha sufrió once fracturas y el pie derecho fue dislocado y aplastado. El hombro izquierdo estaba fuera de lugar y la pelvis, rota en tres sitios.
Postrada en la cama, la joven recibe de su padre una caja de
pinturas y pinceles. Es el comienzo de una pasión desenfrenada por el arte, que
acompañará a la artista durante sus incontables épocas de postración y atenuará
psicológicamente sus constantes dolores, que no le abandonarán hasta la muerte.
En palabras de la propia Frida, empezó a pintar la cama “con un corsé de yeso
que iba desde la clavícula a la pelvis”, con la ayuda de “un dispositivo muy
chistoso”: un artilugio ideado por su madre que sostenía una tabla donde se
colocaban los papeles.
En el Paisaje urbano (circa 1925), es posible distinguir ya algunas de las constantes de la trayectoria pictórica de la artista. La pintura no es un fin en sí misma, si no un medio para explorar la realidad y mostrar una serie de sensaciones. El paisaje, anodino y austero, no es lo importante: según la escritora y biógrafa Araceli Rico, la obra muestra un espacio “estrecho, reducido a dimensiones inconcebibles […], un pequeño teatro donde se pusiera en escena su propia vida.
La exploración de la identidad propia. Autorretratos
OBRA: 1925 Cabello rizado
La trayectoria matrimonial de la pareja merecería capítulo aparte: dominada por la pasión y la tortura, tan tormentosa como enriquecedora artísticamente, constituye un hito de la historia artística mexicana contemporánea.
Diego Rivera, tan genial como ‘monstruoso’, hace de su convivencia un infierno pero, al tiempo, abre a su esposa horizontes que sin él le hubiesen sido vedados: accede a un ambiente intelectual poblado de artistas de renombre y de políticos de envergadura
Frida y Diego
Frida trabajó en este retrato durante los primeros años de su matrimonio, los muestra a los dos mirando hacia al frente con expresiones serias pero tomados de la mano, como símbolo del gran amor que se tenían.
Frida se mantuvo apegada a la realidad en cuanto a la diferencia de sus tamaños: él, grande y ella, delgada y pequeña. Frida está vestida con un típico vestido mexicano, el favorito de Diego y el que empezó a usar casi al mismo tiempo que empezó su relación con él. Diego tiene en su mano derecha una paleta y pincel, lo que demuestra la admiración que ella tenía por el talento artístico de su esposo.
En este retrato no hay nada que distraiga la atención de los dos personajes en el fondo (como en muchas otras de Frida), dejando claro que, en su relación, no era necesario nada más.
Frida pintó este retrato doble para el que tomó como modelo una foto de la reciente boda. La diferencia de tamaño ya era considerable en la realidad, pero aquí Frida la amplía, quizá para resaltar su dependencia del esposo.
Diego aparece con los útiles de pintura en la mano derecha, firmemente asentado en el suelo con sus grandes pies y sus gruesos zapatos. Sin embargo, Frida parece levitar, con sus delicados pies flotando en el suelo. Viste un sencillo atuendo campesino, identificándose de esta manera con su pueblo.
DIEGO RIVERA Principales Obras de Caballete
Las fuentes de este retrato Frida y Diego, debemos buscarlas en el arte popular, inspirándose en la cultura precolombina y en los ingenuos retratos mexicanos del siglo XIX. El colorido vivo del manto contrasta con las tonalidades oscuras del vestido y el traje de Rivera, resultando una obra primitiva e ingenuista.
Diego Rivera
((Guanajuato,
1886 - Ciudad de México, 1957) Muralista mexicano. Los artistas mexicanos Diego
Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco conforman la tríada de
los máximos representantes del muralismo mexicano, escuela pictórica que
floreció a partir de los años veinte del pasado siglo)).
Tres años después sufrió un aborto que afectó en lo más
hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas:
Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por
las explicaciones de la propia pintora.
OBRA: 1930 Autorretrato
La obligada postración de Frida Kahlo le induce a investigar su propia persona, su cuerpo y su identidad. Un dispositivo de espejos colocado sobre la cama le permite comenzar su famosísima serie de autorretratos, realizados a lo largo de toda su vida. En principio, las obras muestran el retrato austero de una mujer de intensa mirada; con el tiempo, los autorretratos reflejarían también emociones descarnadas, sufrimientos, pasiones y deseos. Estas obras convertirían a Frida Kahlo en un “objeto de deseo” por parte del movimiento surrealista liderado por André Breton. Sin embargo, ella nunca se vio como una pintora surrealista: en sus propias palabras, “el Surrealismo no corresponde a mi arte. Yo no pinto sueños o pesadillas sino mi realidad, mi propia vida”.
OBRA: 1930 Frida y la operación cesaría.
OBRA: 1932 Mi nacimiento
Vida y muerte sobre una cama.
Frida Kahlo pinta el momento mismo de su nacimiento. La madre está dando a luz con una sábana tapándole la cabeza, como se cubre la cabeza de una muerta. La recién nacida sale al mundo con el rostro adulto de Frida. Todo pasa sobre una cama, en una habitación sencilla, con un solo testigo: esa pintura de la Virgen de las Angustias llorando.
Es como un ciclo, la rueda de la vida. la muerte que da vida y esta se muere y vuelve a vivir. Frida pintó este impactante cuadro con el fallecimiento de su madre, además de estar su arte asociado con sus trágicos abortos, por lo que la carga personal de la obra es tremenda.
También está México presente: la escena tiene ingredientes de catolicismo, paganismo, arte precolombino, y ese primitivismo naif de la artista, que amplifica los sentimientos y las emociones tan importantes para una pintora como ella.
FRIDA KAHLO
Nos encontramos ante uno de los autorretratos más famosos de la artista mexicana Frida Khalo, quien se pinta a sí misma de frente para realzar su presencia. La artista pintó esta obra durante la época de crisis de su matrimonio con el muralista mexicano Diego Rivera. La obra de Frida Kahlo destaca por mostrar el dolor y la soledad que la asolaban a causa de sus continuos problemas físicos debido a enfermedades. Sus pinturas suelen calificarse de surrealistas porque están impregnadas de simbolismos.
OBRA: 1935 Unos cuantos piquetitos
Frida denuncia la violencia machista en esta desgarradora escena.
Frida Kahlo leyó en el periódico la siguiente noticia: un hombre mató a su mujer y en los tribunales se defendió diciendo que sólo le había dado «unos cuantos piquetitos». Según la policía, fueron veinte puñaladas.
La artista, comprometida con la causa feminista ya en el año 1935, decidió denunciar el atroz suceso mostrando con pelos y señales la sangrienta escena del asesinato, y a dos palomas portando una cinta con las palabras del individuo, para dejar clara la incongruencia.
El asesino está sonriendo satisfecho y se guarda un pañuelo con el que ha limpiado la sangre. Probablemente salió impune de su crimen.
Pero si algo sobra en el cuadro es sangre…
todo el lienzo está lleno de ella: en la cama, en el suelo, en la camisa del criminal e incluso en el marco, lleno de huellas que prueban el crimen.
Frida quiere romper la separación física entre espectador y obra para que el espectador se comprometa, que no sea cómplice de un asesinato que en esos años era considerado un «crimen pasional», con el consiguiente atenuante en la sentencia.
Este cuadro hace alusión a dos aspectos de Frida, por un lado al estado en que se encontraba su conciencia, como alcoholizada, y aunque a veces lo estaba, sobre todo cuando hacia el final de su vida su estado corporal desmejoraba irreversiblemente, no era necesario que estuviera alcoholizada para que percibiera la realidad como luego de haber ingerido sustancias que la aturdieran, siguiendo el modelo de la morfina que le suministraban los médicos luego de una operación (1946) cuando el dolor era insoportable y que luego no pudo abandonar. Este modelo fue descripto por Freud en la conferencia 24 (1916-17). El otro aspecto a que se refiere el cuadro, consiste en los “piquetitos”, la sucesión de golpes con que su cuerpo fue sometido a lo largo de la vida conformando una neurosis traumática, una adicción a recibir más golpes que la dejen sin conciencia, como estaba la mujer del cuadro, muerta con los cuchillazos abriendo heridas por donde manaba la sangre sin fin, como manaba su libido cada vez que Frida quedaba arrasada por un golpe más.
OBRA: 1936 - Yo y mi muñeca
Historias de vida - Frida Kahlo
La producción de la artista mexicana es un ejemplo de ese tipo de arte que sirve como poderoso instrumento con el que exorcizar la angustia de una realidad hostil.
Video Casero de Frida Kahlo y Diego Rivera en la Casa Azul
El baño de Frida
OBRA: 1937 Mi Nana y Yo
En el pecho de la mujer se puede ver como una especie de campo de cereales, por lo que Frida solo se alimentaba de ella.
Frida intenta transmitirnos las dificultades por las que ha pasado en la vida, y como ejemplo nos muestra como fue amamantada por una persona que no es su madre, para ella una completa desconocida que no le mostraba cariño alguno, en una acción que es más personal y que necesita cierta conexión entre las personas.
En «Mis abuelos, mis padres y yo» Frida Kahlo se representa en el jardín de la Casa Azul, su casa natal y hoy museo Frida kahlo
. Acompañada de su madre, Matilde Calderón, hija de Isabel González de origen español y Antonio Calderón, un fotógrafo de origen indio.
OBRA: 1937 Recuerdo -el corazón-
OBRA: Entre cortinas, 1937
Después de haber vivido un romance con el político marxista León Trotsky, Frida le regaló un autorretrato en el que se representa segura y bella. Según sus biógrafos, esta transformación en su percepción se debe a la reacción que tuvo Rivera cuando se enteró del amorío entre su ex y el líder soviético. “Para León Trotsky, con todo mi amor, le dedico este cuadro el 7 de noviembre de 1937”, explica la dedicatoria.
---------------------------
En 1938 tuvo su primera exposición individual, realizada en la Galería Julien Levy en Nueva York, que celebra con un texto André Bretón, definiéndola como surrealista, acepción que Frida rechazaba, aunque en el librero contiguo a su cama tenía cerca de ella literatura sobre esa corriente. Lo mismo participa en diversas colectivas.
OBRA: 1939 Las dos Fridas
El cuadro Las Dos Fridas de Frida Kahlo (1907-1954) es un autorretrato doble pintado en óleo y terminado en 1939, año en que la artista se divorcia del muralista mexicano Diego Rivera. Mide 173 centímetros de largo por 173 de ancho y se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, en México.
Este retrato refleja las emociones que atravesó la artista tras su primera ruptura con Diego. A la derecha, se encuentra la Frida que Diego amaba, la Frida mexicana -con su corazón roto- que en sus manos sostiene un retrato de Rivera cuando era chico. A la izquierda se encuentra la Frida europea, con un vestido de novia victoriano -antagónico al que vistió durante su casamiento- representando sus raíces europeas, denostadas por Diego. Del retrato de su versión mexicana sale una vena cortada por la Frida europea, en un intento por ponerle fin a sus sentimientos. Sin embargo, la vena gotea y la Frida que Rivera amaba seguía viva, aunque desangrada.
En Las dos Fridas podemos encontrar dos imágenes de la artista. Ambas están sentadas en un banco y están tomadas de la mano. La Frida al lado derecho está vestida con un traje simple mexicano de estilo tehuano, y la Frida del lado izquierdo viste un traje blanco de estilo europeo.
Ambas tienen el corazón expuesto, con la diferencia de que la arteria del corazón de la Frida mexicana acaba en un pequeño retrato del artista Diego Rivera, y la arteria del corazón de la Frida europea acaba derramando sangre en la zona púbica, cortada intencionalmente con una tijera quirúrgica.
Esta obra representa temas claves y transversales de la trayectoria de la artista como lo son la dualidad, los opuestos, la herencia mestiza y la represión de la mujer, mezclado con la simbología que otorga a los objetos y a su propia anatomía.
Artes - Las dos Fridas
OBRA: 1939 Lo que el agua me dio
Autorretrato de los pies de la artista
Después podemos ver muchos símbolos implícitos y explícitos, cada uno son muy importante porque marcaron la artista.
En medio de esta visión aparece Frida, desnuda, flotando sobre el agua, y supuestamente ahogada por su pasado, presente y futuro. Parece estar agonizada, sin vida. También está sangrando por la esquina de su boca. Es una imagen muy fuerte ya que parece estar muerta. Se mantiene por medio de una cuerda que sirve como una cuerda floja para insectos y para una bailarina en miniatura.
La cuerda que parece estar estrangulando a Frida esta sostenida por un hombre acostado cerca de una especie de isla, por una cumbre de rocas. No se puede ver el rostro, pero el hombre puede encarnar el machismo, muy dominante en México a esa época, la presión de su esposo, y lo que le obliga a quedarse en Estados Unidos. Esta entonces estrangulada por la situación y a su vez tiene el vestido al lado como si se lo hubiera sacado. Una araña está como atrapándola. Parece estar impresionada por cada aspectos de su vida que la rodea, y solamente la muerte puede liberarla.
Este vestido de color amarillo y rojo está flotando sobre el agua. Los colores vivos del vestido parecen ser la única manera de aportar alegría a su triste vida.
Al lado derecho del vestido se pueden ver unas flores como enredaderas con muchas hojas y raíces que están sosteniendo a una esponja, debajo de la representación de dos mujeres desnudas, que parecen estar en pareja. Representa su lesbianismo. Como su marido siempre tenía relaciones y la engañaba con muchas mujeres refleja su machismo y Frida lo canalizó de esa manera.
También se puede interpretar como sus raíces mestizas a través de esas mujeres desnudas como en el cuadro de « las dos Fridas » que se refieren al desdoblamiento de la mujer europea y la indígena mexicana.
Esas flores con bulbos sin abrir, enlazados con pasión sin florecer pueden representar a su maternidad frustrada, a causa de sus numerosos abortos.
Quedo muchas veces embarazada y nunca pudo ser madre. La representación de la flor supone la fertilidad y es una flor de cactus, como Frida, única pero rodeada de espinas y fertilidad secándose.
Detrás de las hojas aparecen el rostro de los padres de Frida. Su mama estaba enferma y el papa estaba muy desesperado.
Encontramos sus padres también en los cuadros « Mis abuelos, mis padres y yo »
Detrás de los padres a la derecha podemos ver un rascacielos que parece representar al Empire State dentro de un volcán. Ahi se sobrepone la cultura americana con la cultura centroamericana que era la que Frida prefería, los edificios y el concreto sobrepasan a la tierra y lo natural. Cuando Frida y su marido se fueron a vivir a Nueva York, estaba desesperada por regresar a su país.
También hay un esqueleto que parece estar sentado al pie del volcan. Es el símbolo de la muerte, la muerte a la que frida se enfrentó desde muy temprano en su vida con el accidente que por poco acababa con su existencia. Frida parece haber asimilado parte de las creencias de la antigua mitología mexicana indígena.
El pájaro muerto representa los vuelos caídos, porque se sentía estancada en New York y porque Diego ya no tenía trabajo en ese momento. También una araña está envolviendo un mosco y lo está matando, es como la sociedad que está infectada
Para concluir, Este cuadro, que parece ser la obra más surrealista de Frida representa entonces un mundo acuático donde aparecen de manera detallada raíces, plantas, cadáveres, flores secas, así como personajes que ya había pintado antes. Del mismo modo se trata sin duda de la obra más compleja por los detalles caóticos e intrigantes.
Se puede decir que «Lo que el agua me dio» nos muestra a ella, entramos en la mente de Frida, ya que proyecta su mundo interior y su físico atormentado, nos hacemos partícipes de su multiplicidad, de su imaginación, entre personas, personajes, duplicaciones y vegetaciones que flotan en el agua de la bañera. Es un trabajo simbólico que expone muchos acontecimientos de su vida incluyendo en esta pintura numerosos elementos de otras obras.
En este mundo acuático primitivo flotan y se reflejan raíces, plantas, flores, cadáveres, insectos, aves y personas conocidas suyas. Un rascacielos (evocando su estancia en Nueva York) sale de un volcán (uno de tantos de su Mexico natal). Una pequeña Frida desnuda se mantiene a flote en el centro por medio de una cuerda. Y al fondo, un dedo del pie sangrando. Es todo lo que la vida le había dado, bueno y malo; pasado, presente y futuro.
OBRA: 1939 Dos desnudos en el bosque (La tierra misma)
Muestra a dos mujeres desnudas descansando
Cuando André Breton ((Tinchebray, Francia, 1896 - París, 1966) Escritor francés. Participó durante tres años en el movimiento dadaísta, al tiempo que investigaba el automatismo psíquico a partir de las teorías de Jean-Martin Charcot y Sigmund Freud sobre el inconsciente, que había descubierto durante sus estudios de medicina) conoció la obra de Frida Kahlo, afirmó que la mexicana era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Frida nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días rechazó abiertamente que su creación artística fuera encuadrada en esa tendencia.
Frida Kahlo pinta una versión posterior inconclusa de su árbol genealógico. Estas obras funcionan como las pinturas de castas, género propio del Virreinato de la Nueva España del siglo XVIII. Aquí la artista es resultado de la mezcla de razas del Nuevo México.
Frida: naturaleza viva, es una película mexicana dirigida por el cineasta mexicano Paul Leduc, protagonizada por la actriz Ofelia Medina. Película de bajo presupuesto y de alta calidad. Filmada en su mayoría en la casa de Frida Kahlo, la conocida Casa Azul, ahora la Casa-Museo de Frida. Existe una versión posterior intitulada Frida (2002) producida en Hollywood y multitud de obras de teatro.
En su búsqueda de las raíces estéticas de México, rasgo que compartió con Diego Rivera y los muralistas (David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco), Frida Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la conquista, pero son las telas que se centran en ella misma y en su azarosa vida las que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX.
La obra de Frida Kahlo
La producción de la artista mexicana es un ejemplo de ese tipo de arte que sirve como poderoso instrumento con el que exorcizar la angustia de una realidad hostil. El signo trágico de su existencia, marcada por la lucha contra la enfermedad, había comenzado cuando a los seis años contrajo una poliomielitis que le dejó importantes secuelas. En 1925 sufrió un grave accidente de tráfico que le fracturó la columna vertebral y la pelvis. Además de imposibilitarle tener hijos, el accidente fue la causa de numerosas operaciones futuras y de una salud siempre precaria.
A través de la pintura, que empezó a practicar en los largos meses de inmovilidad tras el accidente, Frida Kahlo reflejaría de forma soberbia la colisión entre su ansia de felicidad y la insistente amenaza de su destrucción, a la vez que conjuraba la dualidad irreductible entre los sueños (de amor, de hijos) y la realidad (dolor e impotencia).
Durante la convalecencia del accidente, sin poder ni siquiera incorporarse, comenzó a pintar tomándose ella misma como modelo principal. Le colocaron un espejo bajo el baldaquino de su cama y un carpintero le fabricó una especie de caballete que le permitía pintar estando acostada. Éste fue el inicio de una larga serie de autorretratos, tema que ocupa el grueso de su producción, de carácter fundamentalmente autobiográfico. En una ocasión afirmó: "Me retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco." En poco tiempo Frida desarrolló un vocabulario simbólico propio; con él acompañaba sus retratos para representar metafóricamente sus experiencias y sus pensamientos.
Frida Kahlo - La Cinta Que Envuelve Una Bomba
La relación con Rivera y su relación con su propio cuerpo enfermo. Leer a sus biógrafos es un viaje por un mundo de histrionismo, excentricismo, relaciones con personajes célebres de una época para ellos cotidiana, la familiaridad con que se refería a pintores famosos, artistas y políticos, llama la atención al formar parte de una escenografía que ella sabía montar muy bien. Las ocurrencias que la llevaban a un no poder evitar sorprender, a veces, cínicamente, sarcásticamente y de modo tan directo que sus interlocutores quedaban azorados. Entonces, ese intento de impacto violento a veces se tornaba en un sentimiento de soledad infinito que llevaba a Frida a consumir morfina más allá de lo indicado por el médico y grandes cantidades de alcohol, además de su adicción al tabaco que la acompaña en varias de sus fotografías.
Este es uno de los dolores posiblemente más poderosos en su vida, fueron sus celos pasionales que no alcanzaban a ser mitigados. Había una expresión muda de ellos en una pelea que Frida llevaba con su propia conciencia de los celos que las relaciones extramatrimoniales de su marido le provocaban, y aún antes de que la realidad se lo confirmara. Esta se realizaba a dos niveles, promoviendo ella misma sus relaciones extramatrimoniales, homo y heterosexuales, y intentando sofocar el dolor consumiendo alcohol, morfina, fumando tabaco.
En 1939 forma parte de la exposición Mexique en la Galería Renou et Colle de París.
“Mira que, si te quise, fue por el pelo. Ahora que estás pelona, ya no te quiero”, explica la leyenda escrita por la artista en el margen superior del retrato. Esta pintura, quizás una de las más emblemáticas, representa la imperiosa necesidad de Frida de deshacerse de todas aquellas características que su ex marido amaba de ella. Alejada ya de sus típicos trajes mexicanos y ostentando una imagen masculina, Kahlo retrata el momento en el que decidió cortarse el pelo -símbolo femenino y atributo que amaba Rivera- y, de algún modo, liberarse finalmente de la dependencia que tenía con Diego.
Los artistas se divorcian en 1939, y vuelven a casarse en 1940, bajo un acuerdo común: vidas sexuales autónomas. Diego toleraba más las relaciones lésbicas de Frida, pero no tanto las heterosexuales.
En tiene la exposición en 1940, Veinte siglos de arte mexicano. Retratos del siglo XX, ambas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, incluyen obra de su autoría.
Los años 40 fueron para Frida Kahlo una década de intensa actividad artística. Durante mucho tiempo se pensó que su figura había quedado eclipsada en vida por la poderosa presencia de Diego Rivera; si bien la pintora no alcanzó entonces la fama de su esposo, lo cierto es que su obra fue reconocida por artistas como André Bretón, Picasso o Kandinsky, entre otros. En 1938, la Galería Julien Levy de Nueva York organiza su primera exposición individual y empieza a participar en muestras colectivas. Su obra se expone en México, París, Nueva York, Boston y otras capitales norteamericanas.
En 1942 entra a formar parte del Seminario de Cultura Mexicana en calidad de miembra fundadora, y en 1943 se incorpora como maestra a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. En 1953, año previo a su fallecimiento, la Galería Lola Álvarez Bravo un exposición individual de su obra en Ciudad de México: será la única que se celebrará en el país en vida de la artista.
OBRA: 1940 El sueño -la cama
En 1941 muere Guillermo Kahlo.
En 1941 el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston la incluye en la muestra Pintores modernos mexicanos y en 1943 el Museo de Arte de Filadelfia en Arte mexicano de hoy, entre otras.
OBRA: 1943 Autorretrato como Tehuana,
OBRA: 1943 Raíces
OBRA: Pensando en la muerte, 1943
Frida Kahlo. México, 1943
También son muy apreciados sus autorretratos, asimismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos.
Frida Kahlo
México, 1943
Aparece en el lienzo una mujer madura y serena, sin joyería (pareciera que esta posando coqueta para su padre fotógrafo), pulcramente ataviada con una blusa indígena y luciendo orgullosa "una golondrina en pleno vuelo," como calificaría Chavela Vargas a su sempiterna ceja única.
Cuatro monos ojipláticos la rodean, mostrando dos de ellos gran afectividad, ya que enroscan su cola en su brazo y acarician con sus peludas manos su cuello y sus pechos yermos. La mexicana confesó que tales criaturas representaban en su imaginario a los hijos que nunca pudo tener, estableciendo así un fuerte vínculo emocional con sus pupilos como madre educadora.
OBRA: Diego y Frida, 1929-1944, 1944
Al poco tiempo de terminar la pintura, Frida comienza la elaboración de una copia para ella; algo que no resulta extraño si se tiene en cuenta que ambos, antes de convivir en la casa azul -residencia de los Kahlo- vivieron en un complejo compuesto por dos casas comunicadas por un puente. “Somos dos personas diferentes, con espacios diferentes”, habría explicado la artista plástica a una amiga.
OBRA: La columna rota, 1944
Después de haber sufrido más de treinta operaciones y de encontrarse a sí misma con una imagen deplorable, Frida comenzó a perder su apetito y fue obligada a seguir una estricta dieta para recuperar su peso. La estructura de madera, que en la realidad era lo que la ayudaba a continuar con sus pinturas, sostiene un gran embudo que le es impuesto a una mujer que no tiene la posibilidad de negarse. Está ahí, en su cama, con los brazos tapados y con una mirada desolada.
OBRA: El venado herido, 1946
0BRA: Autorretrato con el pelo suelto, 1947
En primer lugar, la artista tenía 40 años en el momento en el que realizó la pintura, aunque fiel a su estilo controvertido ella atrasó tres años su verdadera fecha de nacimiento para que coincidiera con la fecha de la revolución mexicana. Según sus biógrafos, luego de la última fusión espinal que tuvo en Estados Unidos, la salud de Frida comenzaría a vivir su última etapa de debacle. Su rostro apagado y su mirada cansada simbolizan la resignación de la artista.
OBRA: Los ojos de Frida
Los problemas físicos y de salud de Frida Kahlo la mantienen postrada durante largas temporadas. La artista sigue su actividad pictórica y crea magníficos retratos, llenos de simbolismo profundidad y personalidad. Es el caso de Los ojos de Frida (1948), obra que refleja dos de las constantes de su pintura: el sufrimiento y la pasión por la tradición mexicana. El dolor y la cercanía de la muerte, que la artista siente cercana, son temas recurrentes en sus lienzos.
OBRA: Diego y yo, 1949
El accidente que destruyó el esqueleto de la pintora nunca fue un obstáculo para su actividad social y cultural. Frida frecuentó desde su juventud los círculos artísticos y políticos de Ciudad de México; a través de la fotógrafa Tina Modotti entra en contacto con el pintor muralista Diego Rivera, que sería el amor de su vida y con quien mantendría una relación caracterizada por la pasión, el desencanto, los celos y las infidelidades. La artista retrató a su pareja en distintas ocasiones y escribió sus sentimientos hacia él en su diario. Frases como “Siento que desde nuestro lugar de origen hemos estado juntos, que somos de la misma materia, de las mismas ondas, que llevamos dentro el mismo sentido”, dejan clara la intensidad del amor que Frida sentía por Diego. Un amor poderoso, pero también destructivo.
En Frida Kalho, tomaremos en consideración tres rasgos patológicos del carácter para las patologías tóxicas: abúlico, viscoso, cínico (Maldavsky, 1995).
- El más evidente en Frida resulta el tercero. En un intento de obtener beneficios secundarios con la propia desgracia.
· Encontramos facetas de una viscosidad deducible en ciertas frases dirigidas en la correspondencia ya sea a su médico, marido, amigos o amantes, donde apela a una postura lastimera que ruega cariño a un interlocutor que se supone deseoso de la eliminación mortífera del paciente.
Termina constituyéndose en un goce en la autocomplacencia en el lamento, de lo cual encontramos numerosas expresiones tanto en su escritura como sus pinturas.
En una de sus cartas a su novio de la adolescencia posterior al accidente: “10 de enero de 1927. Alex: Ya quiero que te vengas, no sabes cómo te he necesitado este tiempo y cómo, cada día, te quiero más. Estoy como siempre, mala, ya ves qué aburrido es esto, yo ya no sé qué hacer, pues ya hace más de un año que estoy así y es una cosa que ya me tiene hasta el copete, tener tantos achaques, como vieja, no sé cómo estaré cuando tenga treinta años, me tendrás que traer envuelta en algodón todo el día y cargada...Oye, cuéntame qué tal te has paseado en Oaxaca y qué clase de cosas suaves has visto, pues necesito que me digas algo nuevo, porque yo, de veras que nací para maceta y no salgo del corredor... ¡Estoy buten buten de aburrida...! (aquí dibuja una cara con lágrimas)... Esta casa en donde tengo un cuarto ya la sueño todas las noches y por más que le doy vueltas y más vueltas ya no sé ni cómo borrar su imagen de mi cabeza (que además cada día parece más un bazar). ¡Bueno! qué le vamos a hacer, esperar y esperar... La única que se ha acordado de mí es Carmen James (Jaime) y eso una sola vez, me escribió una carta nada más... nadie, nadie más...”
- · A partir de aquí el estilo parece tornarse un tanto sarcástico y los podemos considerar a la luz del rasgo de carácter cínico: “¡Yo que tantas veces soñé con ser navegante y viajera! Patiño me contestaría que es One ironía de la vida. ¡ja ja ja ja! (no te rías). Pero son sólo 17 años (en realidad 19) los que me he estacionado en mi pueblo. Seguramente más tarde ya podré decir... Voy de pasada, no tengo tiempo de hablarte... (aquí apunta un compás con siete notas musicales). Bueno, después de todo, el conocer China, India y otros países viene en segundo lugar... en primero (aquí cambia nuevamente el estilo) ¿Cuándo te vienes..? Espero que sea mucho muy pronto, no para ofrecerte algo nuevo pero sí para que pueda besarte la misma Frida de siempre...Oye, a ver si por ahí entre tus conocencias saben de alguna receta buena para engüerar el pelo (no se te olvide). Y haz de cuenta que está en Oaxaca contigo tu Frieda.
- ·
También hay
expresiones de discurso
inconsistente, ligado a
un rasgo de
carácter abúlico, que es la expresión de un núcleo letárgico, desvitalizado,
expresión de una tristeza sin sujeto y oculta tras un amurallamiento colérico,
se corresponde al momento final de su diario
donde el recrudecimiento de
su malestar orgánico
culminaba en la
amputación del pie. Transcribo parte de su diario donde se
esclarece lo que describo aquí: “Esquema de
mi vida. 1910. Nací en el cuarto
de la esquina entre Londres y Allende Coyoacán. A la una de la mañana. Mis
abuelos paternos húngaros –nacidos en Arat Hungría – ya casados fueron a vivir
a Alemania donde nacieron varios de sus
hijos entre ellos
mi padre...” (Pág.
151) “ ...
Ayer siete de
mayo de 1953
al caerme en
las baldosas de
piedra se me
enterró en una
nalga (nalga de
perro) una abuja
(figura así en
el original). Me
trajeron inmediatamente al Hospital en una ambulancia. Sufriendo enormes
dolores y gritando en la distancia de casa al Hospital inglés – me tomaron una
radiografía – varias localizaron la abuja y me la van a sacar uno de estos
días con imán .
Gracias
mi Diego amor
de mi vida
gracias a los
Doctores.” (pág. 157). Asimismo, este rasgo se expresa en las
múltiples relaciones con amantes de ambos sexos donde pareciera haber una
aniquilación de quien podría subjetivar un dolor, por ejemplo, el de saberse
excluida por Diego Rivera.
Al final de su vida, la salud de la artista decayó. Los últimos años son tortuosos, ante las constantes recaídas de su salud y la proximidad de la muerte. En 1950 permanece prácticamente todo el año convaleciente en el hospital a causa de una infección derivada de un negligente injerto en su columna. De 1950 al 51, permaneció internada en el Hospital Inglés.
OBRA: Autorretrato con el retrato del doctor Farill, 1951
OBRA: 1952 Retrato de mi padre
Frida Kahlo toma como modelo un retrato de Guillermo Kahlo de 1925. En la obra incorpora una dedicatoria de admiración hacia su padre.
Respecto justamente del padre encontramos el hecho de haber abandonado a su familia en su país de origen y haberse adaptado a costumbres totalmente disímiles. Entonces, en él se da una pérdida de un contexto, de una cultura dentro de otra (judaísmo dentro de Alemania), una religión. De él describen los biógrafos su silencio y su trabajo. Ahora bien, en él se encuentra un antecedente de la pérdida de un sujeto capaz de sentir, capaz de conciencia, cuyo origen fue atribuido a un golpe en la cabeza. La epilepsia como un golpe anterior, posiblemente sin conciencia y resuelto por el padre con el abandono de la universidad y de su país, no hay relato posterior, y podemos presumir que tampoco hubo elaboración ya que los ataques continuaron en México y luego fueron “copiados” por la madre quien también padecía ataques. Posiblemente ya estuviéramos frente a una familia con modalidades de procesamiento pulsional tóxico. Introducimos aquí los conceptos de criptograma y telescopaje como marcas familiares que se repiten con muy pocas variaciones determinando en ocasiones verdaderas marcas en el cuerpo., que culminaron en el cuerpo de Frida, como si en él se concentraran toda la memoria de tantos dolores desestimados.
Por otro lado, el abuelo materno de Frida era indígena mexicano, de ello hay pocos datos pero podemos suponer una serie de pérdidas de la propia identidad por las colonizaciones que quedaron en el olvido y que aparecían como intentos de procesamiento en la vestimenta tradicional de Frida que a pesar de que desentonaba en su grupo de pares, ella se empeñaba en usar.
Si bien Frida padeció polio y un accidente, las formas de lo negativo ya estaban presentes como una modalidad familiar, evidenciada en los mareos y crisis epilépticas así como en los secretos maternos ocultos.
OBRA: Autorretrato con Diego en el pecho y María entre las cejas, 1954
Para 1954 Frida no tendrá más alas para volar. Los dolores y el desánimo la orillan a dos intentos de suicidio, con sobredosis de opiáceos, el 19 de abril y el seis de mayo.
Teniendo en cuenta que durante los últimos años de su vida Frida sufrió una involución en la calidad de sus obras, sus biógrafos descreen que este cuadro haya sido su última creación. Sin embargo, sus biógrafos estiman que durante los últimos ocho días antes de su muerte, Kahlo agregó la frase “Viva la vida - Coyoacán 1954 - México” a la pintura.
“Espero alegre la salida y espero no volver jamás”, es la última inscripción que tiene el diario personal de Kahlo. Mientras que la mayoría de sus fanáticos interpretan al mensaje como una despedida, la realidad es que esas palabras fueron escritas meses atrás, cuando la artista abandonó el hospital -durante su última internación-.
¿Acaso sería
la tristeza que
siente, por las situaciones que ha tenido que vivir: la
burla de la gente por padecer poliomielitis, las secuelas de su accidente
en el
autobús, la incapacidad
para tener hijos,
las múltiples infidelidades de
las que su
esposo la hizo objeto hasta con su propia hermana? Si nos ceñimos al estricto análisis del lenguaje corporal, nos queda claro que por sus autorretratos, en los que nos deja apreciar su absoluta desconfianza, inferida de su mirada autosuficiente, de la elevación de sus cejas que se muestran amenazadoras, de sus labios apretados con intensidad y de la notoria presión y rigidez de su garganta.
En cuanto a la motivación de su obra, tenemos a una artista que nos dice: “Pinto mi propia realidad. Lo que sé es que pinto porque necesito hacerlo, y siempre pinto lo que me entre en la cabeza sin ninguna otra consideración”. Para Frida, la creación artística, no parece significar otra cosa, que la descarga de sus sentimientos y emociones; especialmente aquellas que la atormentan. Esta situación, es suficiente para descartar que su obra sea producto de la sublimación, ya que esta última es un proceso que implica más elaboración y no la simple catarsis o descarga emocional.
Irreverente, ácida, sarcástica, comprometida, enamorada y talentosa. Frida Kahlo cumplió y no volvió, porque jamás se fue.
-------------------------------------------------
En 1953, el mismo año de su muerte, la Galería de Arte Contemporáneo de la ciudad de México organizó la primera exposición de Kahlo en su tierra natal. Con una salud deteriorada y estigmatizada tanto por su médico como por Rivera, Frida recibe el mensaje de que si asiste al evento podría llegar a morir debido a su delicado estado de salud. Fiel a su personalidad temperamental, la artista decidió asistir e irrumpió en la sala -interrumpiendo el discurso de su marido- recostada en su cama. Esa fue su última aparición pública.
13 JULIO 1954 MUERE FRIDA KHALO
Frida Kahlo murió en la Casa Azul en la Ciudad de México el 13 de julio de 1954, cuando el Instituto Nacional de Bellas Artes le preparaba, como Homenaje Nacional, una muestra retrospectiva.
Video Casero de Frida Kahlo y Diego Rivera en la Casa Azul
Frida Kahlo - 40 pinturas. Arte Naíf. Surrealismo.
Frida Kahlo (Coyoacán, 1907 – 1954) fue una pintora mexicana conocida por sus numerosos retratos, autorretratos y obras inspiradas en la naturaleza y los artefactos de México Inspirada en la cultura popular del paí , empleó un estilo de arte popular ingenuo para explorar cuestiones de identidad, poscolonialismo , género, clase y raza en la sociedad mexicana.
El estilo de FRIDA KAHLO
FUENTE: BIG BAN NEWS - Otros
No hay comentarios:
Publicar un comentario
TU COMENTARIO O SUGERENCIA NOS HARÁ CRECER